Tra Materia e Mediterraneo

Lo stile è quello del minimalismo mediterraneo, che rifiuta ogni eccesso ma abbraccia la materia e la luce.
Ogni spazio è progettato per rallentare, per respirare, per sentire.
La distribuzione architettonica si ispira all’antica struttura della masseria e del baglio siciliano: corte interna, apertura verso il mare, protezione dal vento e dal sole.

Philautia è un luogo dove il tempo si dilata.
Dove il lusso è nella ricerca della semplicità.
Dove il benessere è uno stato dell’essere, non solo dell’avere. Qui si viene per ascoltarsi, per ritrovarsi, per vivere in sintonia con la bellezza naturale e antica della Sicilia.

Ampi spazi interni si aprono verso l’esterno attraverso grandi vetrate scorrevoli che sfumano il confine tra dentro e fuori; salotti en plein air con arredi artigianali in legno naturale e tessuti neutri, pensati per accogliere senza invadere si susseguono sotto porticati grigliati in castagno, che offrono rifugio dalla luce intensa, dove il silenzio viene interrotto solo dal vento e dal canto delle cicale. Il pavimento in pietra levigata accompagna il passo come una superficie scolpita dal vento.

Il cuore pulsante del resort è l’infinity pool, sospesa tra cielo e mare si estende verso l’orizzonte, riflettendo la luce calda del sole siciliano. Le chaise longue in legno massello e cuscineria in lino grezzo invitano al riposo e alla contemplazione, mentre lanterne in ferro brunito illuminano le sere estive.

Piante mediterranee come fichi d’India, rosmarino e mirto, circondano ogni spazio con discrezione.

Ospitalità Condivisa e Contemplativa

Le aree comuni di Philautia sono concepite come spazi di calma, ascolto e bellezza. Architetture che accolgono, senza imporsi, dialogando con l’ambiente circostante in modo armonico e rispettoso. Ogni ambiente si apre verso l’esterno, dissolvendo il confine tra interno e paesaggio.

Situato ai margini della Riserva Naturale dello Zingaro, il resort trae ispirazione dalla materia viva del territorio: pietra chiara, legno grezzo, tessuti naturali e luce filtrata dal bianco delle tende. Ogni scelta compositiva valorizza la sensazione di benessere e connessione con sé e con gli altri.

La disposizione degli arredi e la scala dei volumi invita all’uso spontaneo dello spazio. Nessuna zona è rigida o predefinita: ogni salotto, ogni tavolo, ogni rientranza può diventare luogo d’incontro o di solitudine, a seconda del momento e della persona.

Le sedute circolari e profonde favoriscono posture rilassate e vis-à-vis. I tavoli bassi in legno naturale suggeriscono il gesto conviviale del sedersi insieme a terra, in un’atmosfera informale e intima. Le vetrate a tutta altezza mettono in scena il paesaggio esterno come parte integrante della scenografia architettonica: la spiaggia, la macchia mediterranea, il mare.

Ogni scelta celebra la bellezza del “luogo comune”, inteso non come spazio banale, ma come spazio condiviso, capace di accogliere differenze e sfumature umane.

Acqua come Centro Emotivo e Simbolico

Nel cuore della zona comune, l’acqua diventa presenza rituale. Non una piscina, ma una vasca circolare: calma, meditativa, riflettente. Richiama antiche fontane siciliane e hammam mediterranei. Non serve a nuotare, ma ad osservare, ad ascoltare il suono, a ritrovarsi.

È un fuoco d’acqua attorno al quale sedersi, condividere il silenzio, una conversazione, un momento sospeso. Il suono continuo della superficie liquida accompagna i ritmi lenti del resort, stimolando una dimensione di introspezione collettiva.

Materiali, Luce e Tradizione Mediterranea

L’architettura di Philautia si fonda su una palette essenziale e sensuale:

• Pietra locale e intonaco materico per evocare le architetture vernacolari siciliane;
• Legni chiari e caldi, lasciati vivi, imperfetti, naturali;
• Tessuti leggeri in lino e cotone, che vibrano alla brezza marina;
• Elementi artigianali e sculture che arricchiscono lo spazio con un’anima profonda e locale.

Le travi a vista in legno e il cotto siciliano richiamano la tradizione contadina e convivono con oggetti di design contemporaneo, creando un dialogo continuo tra passato e presente.

Philautia: l’Amore che inizia da Sé

Ogni alloggio è concepito come un rifugio personale, in cui il benessere è il fulcro dell’esperienza. Gli ambienti interni e quelli esterni dialogano armoniosamente per stimolare un senso di pace, equilibrio e connessione con sé stessi e con la natura circostante.

Philautia propone un concetto evoluto di lusso discreto, in cui ogni suite è un piccolo mondo a sé, capace di offrire agli ospiti esperienze immersive di benessere senza mai lasciare il comfort del proprio spazio.

Un tratto distintivo di Philautia è infatti la presenza di una spa privata all’interno di ogni alloggio:

• Mini piscina interna riscaldata per rilassarsi in totale privacy.
• Zona benessere con doppio lavabo, doccia emozionale e spazi aperti a vista su cortili interni verdeggianti o panorami sul mare.
• Atmosfere studiate nei minimi dettagli per evocare serenità: luce naturale filtrata da tende bianche leggere, piante ornamentali e materiali naturali.

Qui, la bellezza del luogo si fonde con l’arte della cura di sé.

La spa privata si estende all’esterno, dove ogni alloggio vanta una piscina personale:

• Zona Lounge, ideale per momenti di convivialità, lettura o meditazione a pelo d’acqua.
• Solarium galleggiante e passerelle in legno che trasformano la piscina in uno spazio scenografico e funzionale.
• Affaccio sul mare, garantendo un panorama riservato e aperto sull’orizzonte.

Tutto il comparto alloggi è circondato da vegetazione mediterranea: piante aromatiche, ciuffi di erbe selvatiche, e muri in pietra locale che conferiscono privacy e rafforzano l’identità del luogo. Le verande sono coperte da tessuti leggeri, offrendo riparo e una sensazione di continuità con il paesaggio.

Architettura come Paesaggio

Villa Marea si sviluppa lungo i terrazzamenti naturali del pendio, sfruttando ogni linea morfologica del terreno per amplificare la vista e il senso di immersione nella natura. Le volumetrie, rigorose ma mai invasive, sono rivestite in materiali locali che rispecchiano le tonalità della roccia e della sabbia: calcestruzzo cerato color terra, pietra naturale e metallo brunito si alternano in una composizione che è insieme discreta e potente.

Le grandi vetrate a tutta altezza annullano ogni confine tra interno ed esterno. La luce filtra e muta lungo l’arco della giornata, mentre la vegetazione autoctona: ginepri, agavi e fichi d’India penetra l’architettura, avvolgendo gli spazi con un senso di continuità organica.

Prospettive Infinite

Ogni angolo della villa è orientato per valorizzare il vero protagonista di questa esperienza: la vista mozzafiato sul Tirreno. Le prospettive si aprono su scorci panoramici che sembrano dipinti: isole all’orizzonte, promontori selvaggi e il mare che si perde nell’infinito. L’effetto è quello di essere sospesi tra cielo e acqua, in un equilibrio rarefatto che invita alla contemplazione e alla quiete.

Le terrazze a sbalzo amplificano questa sensazione, diventando veri e propri palchi naturali da cui osservare l’alba, il tramonto o le notti stellate.

L’Acqua come Elemento Sensoriale

Al centro dell’esperienza abitativa, l’acqua diventa elemento architettonico e spirituale. Due piscine a sfioro si distendono lungo i bordi del pendio come specchi sospesi nel vuoto. I rivestimenti in mosaico vetroso verde salvia riflettono il cielo e si fondono cromaticamente con il paesaggio, offrendo un’esperienza visiva e sensoriale impareggiabile.

Lo stile di Villa Marea è essenziale, contemporaneo, e fortemente radicato al contesto mediterraneo. Le cromie naturali — ocra, sabbia, verde oliva, ruggine e blu profondo — si ispirano alla tavolozza del paesaggio circostante, mentre gli arredi, firmati da brand italiani e internazionali, esaltano la semplicità delle linee con un tocco sofisticato.

Il legno di noce, le superfici in pietra levigata, i tessuti in lino grezzo e le ceramiche artigianali completano un’estetica che è al tempo stesso materica, minimale e profondamente sensoriale.

Villa Marea non è semplicemente una casa, ma un manifesto architettonico che celebra la relazione simbiotica tra uomo e natura. In questo rifugio esclusivo, ogni dettaglio è pensato per amplificare il senso di benessere, bellezza e appartenenza a un luogo senza tempo. Qui, il lusso non è ostentazione, ma profondità del vivere.

Il vero gioiello nascosto di questo progetto è la spa privata, un santuario del benessere affacciato direttamente sul mare. Qui, una piscina circolare con percorso Kneipp, sauna panoramica, bagno turco e docce emozionali creano un itinerario terapeutico che si fonde con l’ambiente. Le grandi aperture lasciano entrare il profumo del mare e il suono delle onde, trasformando ogni trattamento in un rito ancestrale di rigenerazione.

Partendo dalla doccia emozionale, incastonata in una nicchia architettonica, con un’illuminazione discreta che enfatizza la caduta dell’acqua come fosse un elemento scultoreo, questo spazio invita alla purificazione prima o dopo l’ingresso nelle vasche. Ai lati della doccia centrale si aprono due ambienti dedicati: uno è la sauna secca in legno caldo e accogliente, l’altro il bagno turco, riconoscibile dalle luci blu e dalla texture avvolgente delle superfici. I due ambienti completano il percorso termale, stimolando la circolazione e favorendo la disintossicazione.

Elemento focale dello spazio è la vasca Kneipp scavata nel pavimento e divisa in due metà simmetriche da un percorso in pietra. Questo passaggio sospeso evoca un rito di attraversamento simbolico e invita a una camminata meditativa. Le due vasche sono pensate per accogliere più ospiti contemporaneamente in un contesto raccolto e rilassante, permettendo la condivisione del momento senza rinunciare all’intimità.

Il soffitto ospita un grande lucernario circolare, posizionato in asse con la vasca, che non solo inonda lo spazio di luce naturale durante il giorno, ma crea un dialogo diretto con il cielo. Nei momenti di luce più intensa, si genera un gioco di riflessi e ombre che arricchisce l’atmosfera. Il lucernario diventa così un “occhio sul cielo”, che mette in relazione l’interno protetto e accogliente della spa con la vastità esterna del paesaggio mediterraneo.

La spa utilizza materiali naturali e caldi, come pietra levigata, legno scanalato e vetro, per creare un ambiente accogliente e sofisticato. Le tonalità della terra, le texture tattili e la presenza dell’acqua concorrono a un’esperienza sensoriale completa, che stimola il rilassamento profondo e la riconnessione con la natura.

Luxury Compact Welness

In un mondo in cui tempo e spazio sono sempre più preziosi, questa suite rappresenta una risposta concreta e innovativa alle esigenze del viaggiatore moderno: intimità, comfort, wellness e stile in un’unica soluzione.

L’atmosfera è raffinata e accogliente: colori tenui e profondi si mescolano con dettagli in ottone satinato e superfici materiche. Il letto, composto da due twin uniti per la massima flessibilità, si inserisce in una boiserie con testata alta, illuminata da lampade a stelo integrate e arricchita da stampe artistiche ispirate a vedute romane.

La seat window, una seduta contenitore integrata nella nicchia della finestra, è stata progettata non solo come luogo di relax dove leggere un libro o sorseggiare un tè ammirando Roma, ma anche come barriera fonoassorbente. Insieme alle librerie adiacenti, crea uno spazio cuscinetto che abbatte i rumori esterni e garantisce un isolamento acustico impeccabile.

UN’ESPERIENZA OLISTICA IN 30 MQ

Questa nuova tipologia di suite è la sintesi di una progettazione intelligente, dove ogni dettaglio è pensato per offrire agli ospiti un’esperienza immersiva e multisensoriale. La vera rivoluzione? L’inserimento di una Spa privata all’interno della stanza, in un’area di appena 4 mq, che soddisfa tutti gli standard delle più raffinate Spa di lusso.

La micro-spa è composta da tre elementi distintivi:

• Doccia orizzontale: un’esperienza rilassante e immersiva, pensata per momenti di puro abbandono, da soli o in compagnia.
• Vasca da bagno freestanding: elegante e avvolgente, è incorniciata da una parete in rilievo scuro che ne esalta l’intimità e il design contemporaneo.
• Doccia verticale con soffione multi getto: un rituale rigenerante per il corpo e lo spirito.

Questi tre elementi, disposti sapientemente in un layout compatto, permettono agli ospiti di vivere un’esperienza Spa senza uscire dalla propria camera.

“Maximum Spa in Minimum Space” non è solo uno slogan, ma una vera filosofia progettuale che valorizza ogni centimetro, portando il benessere al centro dell’esperienza di soggiorno.

Il FLAMINGO club e restaurant è il progetto di un luogo inaspettato, nelle cui ambientazioni sorprendenti è possibile rivivere le avventure del simpatico fenicottero rosa, emblema e simbolo del locale. Già dalle vetrine che si affacciano sulla rinomata via Chiana, si percepisce il carattere sorprendentemente coinvolgente di questo luogo: la prima vetrina ha un aspetto onirico, si presenta come una stanza “soffice”, fatta di morbide nuvole, un luogo raggiunto dal fenicottero durante uno dei suoi sogni, sospinto da un soffio! La seconda vetrina, di tutt’altra natura, vede il fenicottero catturato dall’ artiglio del braccio meccanico di quei giochi di pesca per i peluche: in entrambe le vetrine i clienti, sedendosi ai tavoli con le loro consumazioni, interagiscono con la vita del locale, partecipando ad una esperienza immersiva.

Il Tunnel luminoso

Generatore di movimento il tunnel centrale, con il suo sistema dinamico di luci, accompagna i visitatori da un lato all’altro del locale, guidandoli a ritmo di musica attraverso il voluto disorientamento generato dal disegno apparentemente caotico del pavimento organizzato in fasce di marmo Rosa Portogallo e Nero Marquinia.

Attraversato il Tunnel, metafora di un viaggio fra tempo e spazio che conduce in alcune delle infinite stanze delle avventure del Flamingo, troviamo ristoro nel bar, dove la prospettiva si ribalta ed a fare da cielo non sono le nuvole ma un giardino fiorito da cui le sfere delle sospensioni fuoriescono come tante luminose lucciole. Il bancone è stato realizzato con una sequenza di bacchette di marmo Rosa Portogallo che ne accompagnano la forma morbida.

Il salone delle feste

Il cielo si fonde con piante e creature acquatiche mentre ninfe dormienti emergono in superficie; la materia perde consistenza e viene risucchiata da enormi buchi neri sotto lo sguardo indiscreto di occhi giudicanti. A collegare i due livelli del locale una scala la cui discesa è accompagnata da una parete in cui la realtà che circonda i visitatori esplode e viene riflessa in tutte le sue sfaccettature: un’esperienza immersiva in grado di stimolare l’interazione tra le persone. 

La stanza dei “quadri antichi”

In questo caleidoscopio di materiali, forme, decorazioni e colori, abbiamo pensato di inserire una stanza che solo apparentemente lascia fuori l’immaginario caotico del resto del locale. Le pareti sono infatti interamente ricoperte di foglia oro e ospitano una collezione di “quadri antichi” che sono stati sapientemente rivisitati in chiave irriverente e dissacratoria dall’artista Francesco Pogliaghi che si è occupato della decorazione di tutto il favoloso e onirico mondo del Flamingo.

Volta non è solo un oggetto di design, ma una riflessione sul concetto di lusso e di tempo. Questo mobile sfida la tradizionale concezione del lusso come qualcosa di posseduto, mettendo in evidenza la bellezza di ciò che è sfuggente e inafferrabile. La sua forma iconica e il suo design evocativo parlano di un lusso che non può essere toccato o trattenuto, ma che si vive attraverso l’esperienza.

In un mondo sempre più orientato verso l’immediato, Volta ci invita a rallentare, a prenderci il tempo di osservare, ascoltare e vivere. Il lusso qui è inteso come un’esperienza sensoriale che non dipende dalla quantità di oggetti posseduti, ma dalla qualità dell’interazione con il momento, con l’oggetto e con lo spazio che lo ospita. Volta diventa così simbolo di un lusso nuovo, che risiede nella contemplazione e nell’attesa, nell’incapacità di possedere qualcosa che, in realtà, è sempre già oltre la nostra portata.

L’archetipo della Volta

Volta trae ispirazione dall’archetipo architettonico della volta, simbolo di grandezza, protezione e durabilità, elementi fondamentali nella storia dell’architettura. La volta non è solo una struttura di sostegno, ma un’idea che evoca l’immagine di un rifugio, di uno spazio sacro e monumentale, capace di sfidare il tempo. In questa creazione, la volta diventa simbolo di una bellezza senza tempo, che trascende la sua funzione originaria, rappresentando il valore di ciò che non si può possedere completamente.

Nel design di Volta, questa forma iconica viene reinterpretata in chiave contemporanea: la struttura in ottone acidato, con la sua finitura che ricorda l’invecchiamento del tempo, evoca proprio l’autorevolezza delle antiche volte architettoniche, mentre la base in alabastro illuminato aggiunge una dimensione luminosa che fa riflettere l’idea della luce che filtra attraverso le aperture di una volta, come un raggio che penetra in uno spazio sacro.

Le finiture

La progettazione di Volta si distingue per l’uso di materiali ricercati e tecniche artigianali di alta qualità. La struttura in ottone acidato si caratterizza per una finitura che esalta la matericità e la solidità, conferendo al mobile un aspetto viscerale, quasi primordiale. Questa finitura è stata messa a punto dalla UNO per conferire all’ottone un aspetto che emani una sensazione di mistero e di presenza tangibile, come se il tempo stesso avesse inciso sulla sua superficie.

La base in alabastro illuminato, attraverso la sua luce morbida e avvolgente, crea un’atmosfera incantevole, amplificando il gioco di ombre che si sprigiona nell’ambiente. Un altro elemento distintivo è il fondo in antic mirror, che riflette la realtà in modo distorto, dando vita a una dimensione onirica e sussurrata.

Le catenelle in metallo scintillante completano l’opera, creando una cascata di luci che incanta e trasporta chi le osserva in una sorta di trance sonora e visiva. Il loro movimento delicato, accompagnato dal sottile tintinnio che produce, aggiunge un ulteriore livello di intimità all’esperienza.

La combinazione di questi materiali crea un contrasto affascinante, tra solidità e fluidità, luce e ombra, realtà e sogno.

Connessione intima

L’idea di “non possesso” che emerge da Volta invita alla contemplazione, a un’intimità con l’oggetto che non si rivela immediatamente, ma che si svela lentamente attraverso il tocco, il movimento delle sue catenelle scintillanti, e il suono che essi producono.

Il fatto che Volta stimoli un’esperienza multisensoriale, in cui il movimento, il suono e la luce giocano un ruolo fondamentale, lo rende un pezzo che non può essere semplicemente “posseduto”, ma vissuto e contemplato. È come un’installazione artistica che invade lo spazio, ma al tempo stesso lo trasforma in qualcosa di etereo e sfuggente.

C’è una connessione intima tra l’oggetto e l’osservatore, un legame che si costruisce attraverso il tempo e l’interazione. È interessante anche come il mobile metta in discussione il concetto di possesso, quasi come se fosse un invito a vivere nel presente e a godere della sua bellezza senza cercare di “trattenerla”. Un lusso che sfida le aspettative della materialità.

CREDITS
regia: Maya Grassa

La sfida per gli albergatori oggi non è più solo offrire comfort e funzionalità, ma valorizzare ogni metro quadrato con contenuti capaci di generare margine e fidelizzazione. I classici lounge o le aree di passaggio diventano così spazi attivi, animati da proposte che uniscono design, branding e intrattenimento.

Per luoghiCOMUNI, gli spazi comuni non sono più aree di passaggio o di attesa, ma ambienti vivi, attivabili, capaci di raccontare una storia e produrre valore. È in quest’ottica che nasce il format per il corner shop esperienziale dedicato al Maître Chocolatier e Pastry Chef Ernst Knam. Pensato per essere integrato in strutture ricettive di alto profilo, rappresenta appieno questa tendenza: un punto vendita che non è solo retail, ma storytelling sensoriale, dove il gelato diventa il pretesto per raccontare una filosofia e un’estetica.

Il format Knam: l’arte del gusto in scena

L’interior concept sviluppato da luoghiCOMUNI è un esempio di come spazio, prodotto e narrazione possano fondersi in un’esperienza multisensoriale.
Appena si entra, si è avvolti da un’atmosfera calda e sofisticata. Le pareti diventano tele materiche: colate dense e vorticose che evocano cioccolato, frutta e creme, trasformano l’architettura in un atto creativo. L’estetica si ispira al gesto culinario, alla spatolatura, all’energia manuale del fare dolce.

“L’arte rende visibile l’invisibile” recita un antico aforisma, e in questo spazio, progettato con rigore e poesia, l’arte si mangia.

Al centro dello spazio, un bancone minimale ed elegante propone i gusti come se fossero colori su una tavolozza da pittore. Ogni sapore ha una sua identità visiva, una texture, una cromia che richiama il linguaggio dell’arte contemporanea.

Il progetto di luoghiCOMUNI cura ogni dettaglio: dagli scaffali modulari che ospitano packaging ricercati, al logo “K” di Knam, forte e riconoscibile come un sigillo d’artista. Un soffitto dorato e linee luminose sospese completano la scena, trasformando la vendita in un’esperienza immersiva.

Il cibo come linguaggio, il design come strumento narrativo

Nel concept di luoghiCOMUNI, il gelato non è solo un prodotto, ma un pretesto per evocare emozioni, memorie, estetica.
Le pareti laterali ospitano installazioni che imitano il gesto dolciario, spatolate di fondente, caramello e frutti rossi che sembrano uscire direttamente da una cucina creativa. Non sono semplici decorazioni: sono testimonianze visive del processo creativo che caratterizza da sempre l’universo Knam.

Ogni elemento, dalle superfici ai materiali, dalla narrazione visiva ai prodotti in vendita, è pensato per generare valore reale, rafforzare il brand dell’hotel e creare un punto di attrazione anche per il pubblico esterno, trasformando lo spazio comune in una micro-destinazione.

Format scalabile, esperienza unica

Il progetto è pensato per essere inserito nei contesti più diversi, adattabile ma mai replicato in modo sterile. Ogni corner shop può essere personalizzato, mantenendo una forte identità estetica e narrativa, sempre legata al brand e alla visione dello chef.

Per gli albergatori, si tratta di un asset strategico: aumenta il tempo di permanenza, favorisce la condivisione social, genera vendite dirette, attrae anche clientela esterna. Ma soprattutto, trasforma lo spazio in contenuto, rendendo il momento dell’acquisto un rituale memorabile.

Un linguaggio contemporaneo per l’hotellerie di domani

Durante l’Hospitality Day, si è più volte ribadito quanto oggi sia fondamentale trasformare i servizi in esperienze; lo studio luoghiCOMUNI a tal proposito ha insistito sul concetto che l’hotel non è più solo un luogo dove dormire, ma un ecosistema narrativo dove ogni spazio può generare valore.

In questo scenario, il connubio tra design e food si conferma vincente: offre unicità, crea connessioni emotive e diventa leva di marketing. Il format Knam è la prova concreta di questa visione.

Come emerso anche dagli interventi dei panel più seguiti dell’edizione 2023, la direzione è chiara: chi saprà offrire contenuti originali, memorabili e redditizi sarà protagonista della nuova ospitalità. Un’ospitalità che non si limita a ricevere, ma accoglie, coinvolge e racconta.

Il futuro dell’hotellerie si gioca qui, tra una spatolata di cioccolato e un’idea ben progettata: perché oggi, più che mai, ogni spazio conta e ogni idea ben progettata può diventare valore reale.

Il progetto con Cristina Bowerman

La connessione umana e professionale emersa fin dai primi incontri di brainstorming con Chef Cristina Bowerman e luoghiCOMUNI è stato il motore trainante di questo progetto. Da subito è emerso l’intento comune di voler creare un progetto che avesse la capacità di esprimere un sentimento, un’ idea, tramite una comunicazione innovativa. Il concept si basa sull’idea di restituire stabilità, attraverso il design, a qualcosa che purtroppo l’ha perduta. Nasce da qui l’intuizione di realizzare un piatto composto da una base in pietra, simbolo di solidità, sulla quale il tagliere in abete rosso si innesta, ritrovando simbolicamente il proprio equilibrio. Il concetto di sostenibilità e recupero è presente anche nella scelta della particolare proteina che caratterizza questo piatto come sottolinea Chef Cristina Bowerman: “ Ho scelto la lingua di vitella perché oggi è difficile andare in case o nei ristoranti e trovare degli ingrediente che sono più o meno trascurati e la lingua di vitella è proprio uno di quelli. Per renderla moderna ho applicato la tecnica del pastrami tipica americana, viene marinata per 3 settimane in una marinatura speciale in maniera tale che possa assumere dei sapori diversi. Viene cotta ad una temperatura bassa in modo tale che possa mantenere il colore interno e quindi sia di particolare appeal anche visivo, e poi successivamente viene servita con il pastrami con senape e altre salse ma anche con il topinambur. Quindi mi piaceva questo incrocio tra una modernità dovuta alla tecnica applicata alla lingua di vitella ma nello stesso tempo l’uso di ingredienti che sono tradizionali ma non soltanto della tradizione italiana, anche di quella americana di cui io per metà ne faccio parte”.

La camera di combustione

Il design del piatto ha voluto integrare estetica e funzionalità, attraverso la realizzazione di un monolite in basaltina, pietra di origine vulcanica lavorata dalle sapienti mani degli artigiani di IT’s Stone dell’azienda Fratelli Marmo, che ha permesso di ricreare una piccola camera di combustione utilizzata da Chef Cristina Bowerman per l’affumicatura della carne. All’interno di questo volume sono state ricavate due aree: nell’area inferiore ha sede la combustione, un procedimento ottenuto con l’utilizzo degli scarti del legno prodotti durante la lavorazione del tagliere per fargli raggiungere la forma di progetto. Da qui il fumo, attraverso un disco di acciaio microforato sul quale viene posizionata la carne assieme a vari aromi, raggiunge la calotta scavata nell’area superiore della camera permettendo l’affumicatura della lingua di vitella. Nel momento dell’apertura di fronte al commensale, il vapore si sprigiona in una nuvola creando l’effetto scenico e liberando tutti i suoi aromi.

Equilibrio ritrovato

Il sentimento che ha mosso il percorso creativo è stato il desiderio di ridare un equilibrio, anche se solamente a livello simbolico, agli alberi caduti in Val Di Fiemme; da qui la scelta di realizzare due elementi che sono apparentemente instabili ma che trovano forza e solidità nella loro unione. Abbiamo deciso di lavorare la forma regolare nella quale il tagliere ci è stato consegnato, in un insieme di linee spezzate, simbolo delle fratture subite dal bosco a causa del cataclisma. Il tagliere nel momento in cui si innesta nel monolite in basaltina ritrova il suo equilibrio manifestando tutta la sua forza in una apparente sospensione, ma acquista anche la funzione di piatto da portata sul quale Chef Cristina Bowerman può comporre la pietanza. Tutto il processo creativo è sublimato in maniera quasi onirica in uno degli ultimi fotogrammi del video, dove il piatto composto dalle mani della chef e il piatto fisico, realizzato dalle mani dei designer, viene in qualche modo restituito al bosco e alla natura.

IL PROGETTO CON ERNST KNAM

Lo Chef Ernst Knam: “da sempre prendo ispirazione per le mie creazioni dai contesti più svariati, una mostra, un edificio, la natura che ci circonda. Il Foodies’ è stata un’esperienza immersiva e coinvolgente a 360°. La sinergia che si è creata con il team, pazzesca! Inoltre ho avuto modo di affrontare tematiche a me care come il surriscaldamento globale e il rischio estinzione delle api, problemi che richiedono continua ricerca e sensibilizzazione da parte di tutti”.
L’empatia e la sinergia che si sono create all’interno del nostro team, hano permesso di trasmettere un messaggio di primaria importanza, come il surriscaldamento climatico, con una semplicità e linearità che solo il regista Carlo Roberti poteva riuscire a racchiudere in un cortometraggio cinematografico di così tanta intensità.“Zeinot” si pone a denuncia del cambiamento climatico, abbracciando tematiche urgenti e fondamentali per la sopravvivenza del nostro Pianeta.

LA SCACCHIERA

Nel cortometraggio, Ernst Knam, porta su di sé la responsabilità di un’ultima fatale sfida per l’umanità, una partita a scacchi con la Dea Natura (interpretata dalla modella Susanna Bianchi). La partita si svolge seguendo le regole di una variante del gioco degli scacchi, ovvero quella ideata nel 1936 da Wladislaw Glinski  che utilizza tessere esagonali. Da qui lo spunto per realizzare la nostra scacchiera tridimensionale, le cui tessere sono un chiaro richiamo alle celle esagonali dei favi che costituiscono gli alveari, eseguite in perfetta sintonia con i pezzi degli scacchi realizzati in cioccolato dallo Chef.

LA PARTITA

Attraverso l’omaggio dei pezzi in gioco, creazione unica dello Chef, la Dea sembra in procinto di perdonare le nefandezze dell’umanità, ma il punto di non ritorno è stato oltrepassato, sugli esagoni della scacchiera le piccole api di cioccolato iniziano a sciogliersi e a crollare sul terreno di gioco. L’ira della Dea risveglia Knam dalla visione. È nel suo laboratorio, i pezzi sulla scacchiera sono integri e salvi, ma l’eco della tragedia sembra giungere anche sul piano reale.

IL MESSAGGIO

Fin dal titolo del corto il messaggio è chiaro: Zeitnot è un termine di origine tedesca, nel gioco degli scacchi indica una situazione in cui un giocatore si ritrova ad avere pochissimo tempo per completare le sue mosse, qui in una duplice veste sottolinea l’urgenza per l’uomo di affrontare le conseguenze della grave crisi climatica attuale.

Il progetto realizzato dal nostro team, dal titolo #4italy, è un prelibato viaggio in tre tappe – Palermo, Roma, Milano – tra bellezze storico-architettoniche ed un mix di sapori, profumi e colori della tradizione gastronomica italiana, rivisitati in maniera ardita e di grande impatto.
La realizzazione del video è stata curata da Webreak con la regia di Gianni Aureli.

Palermo-Roma-Milano andata e ritorno

Fin dai primi incontri con lo chef Natale Giunta si è manifestata la volontà condivisa di non voler realizzare un piatto fine a se stesso ma quella di voler proporre un’esperienza, un viaggio che potesse raccontare alcune eccellenze italiane dalle quali il piatto poteva prendere ispirazione sublimando il percorso narrativo.
Il progetto quindi ha voluto rappresentare trasversalmente l’Italia intera consentendo di allargare il respiro su l’Expo poiché, Milano è stata la sede designata per ospitare questo grande incontro internazionale, ma è stata chiamata l’Italia intera a presentarsi al mondo e rendersi ospitale nei confronti dei visitatori che hanno approfittato della loro presenza nel nostro Paese per visitare altri luoghi di cultura, arte e tradizione. Da questo punto di vista l’enogastronomia italiana presenta notevoli punti di contatto con l’architettura e l’arte: entrambe hanno subito diversificate influenze nel corso dei secoli e ogni regione, ogni città, ogni singolo territorio è stato in grado di sviluppare eccellenze locali realizzate dalle sapienti mani dell’uomo – sia che scolpisse la pietra, sia che lavorasse la terra – ma, nonostante la specificità di ogni luogo, ciò che unisce le singole esperienze e fa dell’Italia un Paese, è la qualità del risultato ottenuto, il sacrificio impiegato per ottenerlo e l’amore con il quale le persone si sono spese – e continuano a spendersi – nella preservazione delle eccellenze italiane.
Con queste premesse lo studio ha voluto coinvolgere aziende leader nel settore del design che potessero rappresentare eccellenze italiane: il video è stato girato presso la showroom di ProArchs dove sono presenti prodotti di Casamania, Doimo cucine, Glamora, Hansgrohe, Nero Sicilia, Eclisse e Macrolux; le idee per il concept progettuale sono state manifestate attraverso l’allestimento di un grande tavolo scuro impreziosito da tessuti di collezioni storiche Rubelli, da pietre di Salvatori, da architetture storiche particolarmente emblematiche, da oggetti d’uso comune in cucina e da ingredienti utili alla preparazione del piatto.

Riso carnaroli, pancetta croccante, ricci di mare e pistilli di zafferano

Stimolati dunque dal grande evento dell’Expo di Milano il progetto ha voluto proporre un viaggio andata e ritorno lungo tutto lo stivale: partendo da Palermo, città originaria dello chef, il percorso ha fatto tappa a Roma sede principale dello studio e città cara allo chef che ha raggiunto una grande popolarità grazie alla sua partecipazione al programma di Rai1 “La prova del cuoco” girato negli studi televisivi della capitale per giungere, infine, a Milano, città ospitante l’Expo, promotrice del Foodies’ Challenge e cara sia allo studio che allo chef per i rispettivi progetti professionali in via di sviluppo.
Da qui il viaggio di ritorno attraverso gli ingredienti: il riso carnaroli, protagonista della tradizione milanese, la pancetta croccante presente in molte preparazioni di primi piatti della tradizione romana, la polpa dei ricci di mare a rappresentare la cucina palermitana; il tutto impreziosito da pistilli di zafferano coltivati in Sicilia ma che immediatamente fanno tornare alla mente il “risotto giallo” milanese per far ripartire nuovamente il percorso Palermo-Roma-Milano.

La tavola condivisa e l’ospite d’eccezione: Lorella Cuccarini

La realizzazione di un piatto così concepito ha trovato la sua naturale completezza nella condivisione in una elegante tavola allestita con tovagliati Broggi, porcellane Villeroy&Boch e con un centro tavola curato dal flower designers Oscar Roberto Aciar e Eros Cau.
Ospite d’eccezione Lorella Cuccarini ad incarnare l’eleganza italiana ma anche la semplicità e la spontaneità anch’esse tipicità italiane che trovano nella tavola condivisa e nel buon cibo il piacere di perdersi tra i sapori che tutto il mondo ci invidia in compagnia di buoni commensali, di amici sinceri.
Il piatto da portata viene dunque servito agli ospiti che lo degustano accompagnandolo con un’altra eccellenza italiana: il buon vino.

La festa della vittoria nella categoria “Main dish”

I video di tutti i team partecipanti sono stati messi on-line per le votazioni da maggio ad ottobre 2015, periodo di sei mesi che ha coinciso volutamente con l’Expo di Milano.
Il riscontro nei confronti del progetto realizzato dal nostro team è stato notevole e ci ha consentito di vincere la categoria “Main dish” e il premio speciale Diners Club International; durante la cerimonia di premiazione svoltasi presso la Triennale di Milano è stata consegnata allo studio un’opera d’arte del maestro Massimo Catalani.
La vittoria è stata condivisa con l’intero team che ha contribuito alla realizzazione del video ma anche con clienti, fornitori, colleghi e amici in una serata organizzata presso la location utilizzata per le riprese del video, la showroom di ProArchs, dove lo chef Natale Giunta si è esibito in uno show cooking che ha avuto come portata principale il piatto ideato e realizzato per il progetto #4italy.

L’Hotel sito nell’esclusiva location, ha riaperto al pubblico con 98 nuove camere e suite in un’atmosfera che rievoca una signorile residenza romana offrendo le tecnologie più all’avanguardia.

Le facciate esistenti sono state soggette a restauro conservativo per ripristinare l’antico splendore dell’edificio sotto vigile ed attento controllo della Sovraintendenza capitolina.

L’attenzione ai dettagli nelle finiture di un hotel extralusso a due passi da piazza di Spagna, insieme alla programmazione giornaliera del cantiere, sono le chiavi con cui è stato improntato l’intervento.

Un intervento che sin dai primi mesi di lavoro ha coinvolto in cantiere una media di 150 persone, salita a 170 persone nella seconda fase fino a raggiungere le 200 maestranze e professionalità operative negli ultimi mesi, provenienti da 15 nazionalità diverse.

Ogni aspetto costruttivo è stato seguito con l’attenzione alle finiture attesa dal cliente e dai designer per un hotel a 5 stelle lusso.

Lo studio luoghiCOMUNI si è occupato del coordinamento generale delle opere di interior design fin dalla gara di appalto e di coordinare le stesse in fase di cantiere per conto di CARRON Spa, che sta ha eseguito la ristrutturazione dell’edificio Hotel Eden sito in Via Ludovisi in Roma di proprietà di Dorchester Collection. 

La riapertura dell’Hotel Eden, è stato l’evento più atteso del settore hotellerie secondo Virtuoso, il newtork di agenzie di viaggio di lusso che annovera tra i suoi partner i migliori alberghi del mondo, e che ha decretato l’Hotel Eden “One to watch”, l’albergo da tenere sott’occhio…

Sotto la stretta supervisione della Soprintendenza capitolina, la rifunzionalizzazione dell’edificio ha previsto la trasformazione dello stesso in hotel 5 stelle lusso con la rivisitazione degli spazi interni, intervenendo per il miglioramento delle strutture esistenti nonché alla creazione degli spazi adibiti alle camere e gli ampi spazi pubblici, dotando l’immobile di tutti i confort impiantistici e di design caratteristici di tali interventi.

Le facciate esistenti sono state soggette a restauro conservativo per ripristinare l’antico splendore dei marmi e dei laterizi che da sempre le compongono.

Lo studio luoghiCOMUNI si è occupato del coordinamento generale delle opere di interior design fin dalla gara di appalto e di coordinare le stesse in fase di cantiere per conto di CARRON Spa, che sta eseguendo la ristrutturazione dell’edificio ex sede INPS sito in Piazza Augusto Imperatore in Roma di proprietà di Edizione Property Spa, per la trasformazione dello stesso edificio nel futuro hotel a marchio Bvlgari.

Credits ©CARRON spa

Il progetto d’intervento sulla struttura edilizia ha previsto il mantenimento dell’involucro murario esternoesistente, mediante un intervento manutentivo con il rifacimento di intonaci e tinteggiature sotto attenta supervisione della sovraintendenza Capitolina. Tra gli altri interventi è stata realizzata una nuova distribuzione interna delle stanze, oltre all’adeguamento della normativa vigente per il superamento delle barriere architettoniche e all’adeguamento impiantistico per la nuova conformazione dell’esclusiva struttura ricettiva in stile Belle Èpoque.

Tutte le scelte progettuali sono state guidate dalla volontà di assicurare il rispetto e la valorizzazione dell’esistente stato di fatto, da conservare in quanto testimonianza storica della città.La ristrutturazione dell’edificio ha puntato a trovare un compromesso tra il rispetto delle caratteristiche dell’involucro esistente e la necessità di intervenire con la sua ristrutturazione, mantenendo l’attuale destinazione d’uso.

Un cuore impiantistico all’avanguardia dietro a pareti e controsoffitti storici

L’Hotel ha un’impronta assolutamente classica per quanto concerne le finiture architettoniche, l’utilizzo di materiali e la scelta degli accessori. Tuttavia, dietro a pareti e controsoffitti storici si nasconde un cuore impiantistico all’avanguardia che consente di gestire il comfort dei vari ambienti mediante sistemi di supervisione e controllo direttamente dalla reception. 

Il connubio tra impiantistica all’avanguardia e risultato estetico classico determina uno dei punti di forza del progetto.

La funzionalità dell’Hotel è sempre stata mantenuta, quindi si è dovuto procedere per fasi successive, andando a compartimentare i lavori e lasciando fruibili le restanti aree dell’albergo. Sulla copertura a tetto giardino è stata ad esempio installata una copertura temporanea che ha consentito di continuare ad operare anche nel restauro del terrazzo, senza compromettere l’impermeabilità dell’edificio. 

Il risultato del progetto è apprezzabile per l’alta qualità dei prodotti impiegati, dai parquet in rovere massello alle pietre ed i marmi dei bagni (diversi per ogni camera) curati nei minimi dettagli.

Passando per gli stucchi e le cornici in gesso che adornano ogni locale, fino alla particolarissima finitura murale con vernici inglesi, finendo con le porte ed i serramenti interni in legno massello rifiniti e dipinti a mano.

Il complesso, ad uso alberghiero, è composto dal fabbricato “A” costituito da 6 piani fuori terra e un interrato, il fabbricato “B” di 4 piani fuori terra ed un interrato, il fabbricato “C” di un solo piano ed infine il cortile comune delimitato dai 3 corpi di fabbrica.

Sono state coinvolte contemporaneamente una media di 12-15 aziende con un totale di 45 subfornitori. Una media di 40 operai al giorno, con picchi di 55-60 unità su spazi ridottissimi e su aree di cantiere ridotte ai soli locali dell’Hotel.

Lo studio luoghiCOMUNI si è occupato del coordinamento generale delle opere di interior design fin dalla gara di appalto e di coordinare le stesse in fase di cantiere per conto di CARRON Spa, che ha eseguito la ristrutturazione dell’edificio Hotel Locarno in via della Penna in Roma di proprietà di Finaquila S.r.l.